Пабло пикассо голубой период. Пабло Пикассо
Хотя сам он произошел из буржуазной среды, и буржуазными были его привычки образ мыслей, живопись его не была буржуазной.
В 1896 году отец Пикассо снял для своего сына Пабла Пикассо Руиса мастерскую на Калле де ла Плата, где он мог теперь работать без принуждения и присмотра и делать все, что ему нравилось. На следующий год родители отправили его в Мадрид.
Художником, во многом определившим характер западно-европейского и американского искусства ХХ века стал Пабло Пикассо - испанец, основную часть жизни проживший во Франции.
В 1900 году Пикассо со своим другом Касахемесом уезжает в Париж. Они поселились в мастерской, недавно освобожденной другим каталонским живописцем, Isidre Nonell. Именно там, в Париже, Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время сопряжена со многими трудностями, а самоубийство его друга Касахемеса глубоко подействовало на молодого Пикассо. При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном "голубой период". Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону, в 1903-1904 г. г. Герои его картин «голубого» и «розового» периодов – простые женщины, акробаты, странствующие актеры цирка, нищие. Даже произведения, посвященные теме материнства, проникнуты не счастьем и радостью, а тревогой и заботой матери о судьбе ребенка.
Голубой период.
Начало "голубого периода " принято связывать со второй поездкой художника в Париж. Действительно, он возвращается к рождеству 1901 года в Барселону с завершенными и начатыми полотнами, написанными в совершенно иной манере, чем та, в которой он работал до сих пор.
В 1900 году Пикассо знакомится с графикой Теофиля Стейнлена. Его заинтересовывает цветовая агрессивность северных художников, но именно в это время он значительно ограничил свой собственный цветовой материал. Все у него происходило быстро, иногда даже одновременно. Живописные работы, пастели или рисунки постоянно изменялись в стиле, в выражении. Тема и характер работ, которые разделяют несколько недель, а иногда и дней, могут быть в корне различными. Пикассо обладал великолепной зрительной памятью и восприимчивостью. Он скорее мастер оттенка, чем цвета. Живопись для художника покоится прежде всего на графическом основании.
Печаль - вот что рождает искусство, убеждает он теперь своих друзей. В его картинах возникает голубой мир безмолвного одиночества, отверженных обществом людей – больных, нищих, калек, стариков.
Пикассо уже в эти годы был склонен к парадоксам и неожиданностям. 1900-1901 года обычно называют "лотреновскими" и "стейленовскими" в творчестве художника, указывая тем самым на прямую связь с искусством его парижских современников. Но после поездки в Париж он окончательно порывает со своими увлечениями. "Голубой период" по мироощущению, проблематике, пластике связан уже с испанской художественной традицией.
Ситуацию помогают понять 2 полотна – «Любительница абсента» и «Свидание». Они стоят на самом пороге «голубого периода», предваряя многие его тематические аспекты и вместе с тем завершая целую полосу исканий Пикассо, его движения к собственной истине.
Можно с уверенностью сказать, что в 15 лет Пикассо уже прекрасно владел художественным мастерством в академическом смысле этого слова. А затем его захватывает дух экспериментаторства в поисках своей дороги в сложном переплете направлений и течений европейского искусства рубежа ХХ столетия. В этих исканиях проявилась одна из замечательных особенностей таланта Пикассо – способность к ассимиляции, усвоению различных тенденций и направлений в искусстве. В "Свидании" и "Любительнице абсента" проступают еще первоисточники (парижская школа искусства). Но молодой Пикассо уже начинает говорить своим голосом. То, что тревожило и мучило его, теперь требовало иных изобразительных решений. Былые привязанности были исчерпаны.
С бесстрашием подлинного большого художника, 20-летний Пикассо обращается ко "дну" жизни. Он посещает больницы, психиатрические лечебницы, приюты. Здесь он находит героев своих картин – нищих, калек, обездоленных, поруганных и выброшенных обществом людей. Отнюдь не только сентиментальное сострадание к ним хотел художник выразить своими полотнами. Голубой мир безмолвия, в который он погружает своих действующих лиц, - это не только символ страдания и боли, это и мир гордого одиночества, нравственной чистоты.
"Две сестры" явились одним из первых произведений этого периода. В "Сестрах" и вообще в работах "голубого периода" автор ориентируется на некоторые традиции средневекового искусства. Его привлекает стилистика готики, особенно готической пластики с ее одухотворенной выразительностью форм. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси. В их работах он находит созвучную его тогдашним настроениям и исканиям психологическую выразительность, символичность цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов.
«Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода». В многоплановом содержании “Сестер” вновь звучит тема общения людей, дружбы двух существ как залога защиты от невзгод жизни, враждебности мира.
Другая типичная картина Пикассо “голубого периода” – “Старый еврей с мальчиком”. Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан. В своих героях Пикассо хотел видеть носителей неких скрытых от обычных людей истин, доступных только внутреннему взору, внутренней жизни человека. Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица. Они живут своим внутренним миром, их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл.
В Мадриде с февраля 1901 года Пикассо впервые принялся серьезно изучать новое искусство, которое тогда начинало свое победное шествие почти по всей Европе. Несколько месяцев, проведенные в Мадриде, оказались решающими для будущего развития его жизни. Этот момент отмечен даже чисто внешней переменой: раньше свои рисунки он подписывал П. Руис Пикассо, теперь же на его работах можно увидеть лишь имя его матери.
В этот период Пикассо плодотворно работает. Организуются его выставки в Барселоне. 24 июня 1901 года организуется первая выставка в Париже, где он теперь жил. Здесь набирает силу новый стиль, прервавший тенденцию к ограничению цвета холодными тонами. Париж толкал Пикассо к сильному оживлению палитры. Все чаще появлялись картины с букетами цветов и обнаженными натурщицами. Если в Мадриде художник в основном работал в голубом цвете, то сейчас рядом с голубым и зеленым цветом ложились чистые, часто контрастные краски. Новый стиль пробивался на поверхность. Широкие цветовые поверхности художник иногда обводил голубым, фиолетовым и зеленым. Эта манера носила название «периода оконных стекол».
В начале 1903 года Пикассо возвращается в Барселону и принимается за пейзажи, почти все они выдержаны в голубом цвете. Пейзажная живопись всегда была у художника в некотором пренебрежении. Пикассо недостаточно романтическая натура, чтобы видеть в природе источник неиссякаемого вдохновения. По настоящему его интересует только человек и то, что человека непосредственно окружает или касается.
Голубой цвет смягчается теперь соседством с охрами и нежно-лиловыми красками, объединенными общим розовым тоном. Голубой период вступил в новую, переходную фазу, время странствующих людей театра и цирка.
Картины «Голубого периода» Пикассо - это квинтэссенция боли, одиночества и разрушительной депрессии. Как ни парадоксально, основные события этого периода развернулись в городе любви и столице искусства - Париже. Почему же на самом старте жизненного и творческого пути Пикассо возникли эти печальные, мрачные тона? Какие события навсегда изменили жизнь художника?
Увидеть Париж и не умереть
Накануне своего девятнадцатилетия Пикассо вместе с другом-художником Карлосом Касагемасом отправился в Париж. Молодые люди не знали ни слова по-французски, но это не помешало им довольно быстро обзавестись знакомствами с местными каталонцами и найти съемное жилье. Все дни напролет они проводили в кафе, в Лувре, на Всемирной выставке, в борделях и кабаре. Однако работать тоже приходилось много. В одном из писем Касагемас пишет: «Всегда, когда есть свет - я имею в виду солнечный, от искусственного тут никуда не денешься круглые сутки - мы в студии, рисуем».
Первый приезд в Париж подарил двум молодым людям... женщин. Пикассо использовал все свое обаяние и магнетизм, чтобы крутить романы с дамами, - и ни языковой барьер, ни общая неустроенность не могли ему в этом помешать. Чаще всего молодые люди проводили время в компании своих натурщиц. Одна из них - Одетта - стала подружкой Пикассо. Вторая - француженка с испанскими корнями Жермена Гаргальо - Касагемаса. И хотя Жермена была замужем, непреодолимая тяга к свободе и приключениям то и дело впутывала ее в отношения с новыми мужчинами.
«Художники Касагемас и Пикассо, преследующие двух девушек», 1900 год
Касагемас и Пикассо были близкими друзьями, но абсолютно противоположными по характеру людьми. Импульсивный, неуверенный в себе, сомневающийся в своей мужественности Карлос тяжело переживал, когда Жермена не обращала на него внимания или флиртовала с другими. Чтобы успокоить ревнивое сердце и отвлечься от дурных мыслей, он нагружал себя работой: «Со следующей недели, то есть с завтрашнего дня, мы наполним свою жизнь миром, спокойствием, работой и всем тем, что приносит душевное равновесие и телесную бодрость. Такое решение мы приняли после официальной встречи с дамами».
Первый покровитель
Петрюс Манаш, которому представили Пикассо его испаноговорящие друзья, был известным парижским коллекционером и торговцем картинами. Манаш был очарован работами Пикассо и предложил сделку: сто пятьдесят франков в месяц за все картины, которые художник успеет создать за это время, а также его, Манаша, личное покровительство. Пабло согласился. С одной стороны, предложение дало Пикассо уникальный шанс вырваться из бедности, в которой он до этого все время находился. Для понимания щедрости предложения Манаша следует сказать, что, например, аренда мастерской стоила 15 франков в месяц, а на ежедневные нужды хватало и двух франков в день.
С другой стороны, вскоре эта зависимость от денег Петрюса стала бить по самолюбию Пикассо: упрямый, избалованный мальчишка, который никогда никому ничего не был должен, попал в очень тяготившую его кабалу. И даже на расстоянии - когда Пикассо решил вернуться на время на родину, в Испанию - Манаш пытался контролировать его и постоянно требовал новые картины.
А домой он вернулся довольно быстро. Ближе к Рождеству Пикассо и Касагемас поняли, что скучают по родным. Париж - со всеми своими огнями, шумом, яркими рекламными плакатами, бесконечными вечеринками и борделями - им надоел. Молодые люди решили вернуться в Барселону. Но, оказавшись в столице Каталонии, довольно быстро осознали: здесь их ждали лишь нищета, неоправданные надежды о славе и все те же бесконечные публичные дома. Касагемас чах на глазах от тоски по любовнице, которую оставил во Франции. Зря Пикассо надеялся, что местные танцовщицы смогут отвлечь друга от мыслей о роковой Жермене. Скоро Карлос заявил, что возвращается в Париж.
Погружение во тьму
В феврале 1901 года Пикассо получил письмо, которое обрушило его прежнюю жизнь. В нем сообщалось, что Карлос Касагемас, его ближайший друг и творческий соратник, погиб.
Семнадцатого февраля - перед отъездом в Барселону - Карлос устроил прощальный ужин в ресторане «Ипподром». Как выяснилось позже, Касагемас заранее готовился к этому событию и знал, что ужин будет последним в его жизни. Молодой человек, одержимый страстью к Жермене, принес с собой заряженный револьвер и, вскрикнув: «Вот тебе!» - выстрелил в ненавистную возлюбленную. Однако промахнулся. Вторую пулю со словами «А это мне!» - он отправил себе в голову. Жермена не пострадала, а Карлос Касагемас скончался в больнице через несколько часов.
Мать юноши не смогла пережить эту новость. Пикассо потребовалось несколько месяцев, чтобы осознать произошедшее. Первой его работой после трагедии стал портрет Карлоса Касагемаса для некролога, опубликованного в местной газете.
Из книги «Пикассо» Анри Жидель: «Преследуемый навязчивыми воспоминаниями о Касагемасе, постоянно возникавшем в его памяти как упрек, он пытался изгнать из себя эту боль. В течение нескольких месяцев Пикассо использовал наилучший способ самозащиты - свое искусство. И чтобы до конца исцелиться, он решил воспроизвести драму 17 февраля… во всем ее ужасе. Он изображает молодого человека, укрытого саваном, горящая рядом свеча освещает его мертвенно-бледное лицо. На правом виске - темное пятно, место, куда проникла пуля. Эта картина написана - и не случайно - на манер Ван Гога, который покончил с собой аналогичным образом».
«Смерть Касагемаса», 1901 год
С этого момента Пикассо впал в страшную депрессию, которая стала разъедать его изнутри. В попытке забыться он с головой ушел в работу, решив преодолевать горе через творчество. Теперь цель должна была оправдать все средства - и вскоре Пикассо принял решение вернуться в Париж. Он заключил сделку с собственным эго и снова отправился к Манашу, который, в свою очередь, с нетерпением ждал возвращения подопечного. Он даже снял для Пикассо студию погибшего Касагемаса, расположенную рядом со злополучным рестораном «Ипподром».
В этой же мастерской Пикассо написал портрет своего покровителя, в котором этот сильный и уверенный в себе человек напоминает матадора, «готового ринуться в бой со свирепым быком, заранее принимая любой исход схватки».
«Петрюс Манаш», 1901 год
Однако вскоре многоопытного Манаша ждало весьма неприятное открытие: Пикассо гораздо сложнее и непредсказуемее, чем ему казалось. Вместо ярких жизнерадостных полотен, которые он так ждал, художник выдавал мрачные, пессимистичные, исполненные болью и страданием картины в неожиданной сине-голубой гамме.
«Голубой период»
Все это время Пикассо думал только о потере друга. Боль утраты не затухала, а только набирала новые обороты. Картины заселили измученные люди, больные калеки и одинокие бродячие артисты. Каждая работа этого времени написана в пронзительных голубых тонах и транслирует бесконечное чувство одиночества героев. Все они словно ждут человека, который никогда больше не придет. Собственный автопортрет художника этого периода резко отличается от прошлых: суть этого образа составляют пустота, мрачность и безысходность.
«Автопортрет», 1901 год
Возможно, Пикассо намеренно погружал себя в страдание, напитываясь вдохновением «Голубого периода». Картина «Похороны Касагемаса» - самая большая по размеру среди созданных в Париже - занимала значительную часть его мастерской и одновременно служила ширмой. Он рисовал мертвого друга вновь и вновь, словно пытаясь почувствовать его предсмертную боль и страдания.
«Жермена», 1902 год
А жизнь тем временем продолжалась. Их общий с Карлосом друг - Маноло - стал любовником Жермены. А вскоре им стал и сам Пикассо. Зачем? Узнать мы это уже не сможем. Возможно, связь с этой женщиной была очередной попыткой пережить боль погибшего друга, желанием его понять. Тень Жермены, которая в итоге вышла замуж за Маноло, всю жизнь была рядом с Пикассо. Писательница Гертруда Стайн так говорила о художнике: «Он человек, которому надо постоянно опустошать себя, и для этого ему необходим мощный стимул к деятельности, к полному опустошению».
«Две сестры», 1902 год
На картине «Две сестры» изображены проститутка и монахиня (другой вариант трактовки предполагает, что это проститутка и её мать). Этой работой художник манифестировал свое отношение к женщинам: все они, по его мнению, делятся на святых и блудниц. Пикассо продолжал проводить время в борделях и кабаре, но наглухо закрыл свое сердце и по-настоящему не сближался с женщинами больше чем на одну ночь.
«Любовники», 1904 год
Писатель Палау-и-Фабре затрагивал эту тему в своей книге «Жизнь Пикассо, 1881–1907», когда описывал картину «Любовники»: «...два червя, переплетенных и сплетающихся... Пикассо, который прячет лицо, уткнувшись в женское тело, вероятно, уже прячет что-то от себя самого - что-то, чего он не хочет видеть целиком, о чем старается не думать».
В эти годы Пикассо создал много графических работ, в которых зарождался его новый, уникальный почерк: наброски одной непрерывной линией, без отрыва карандаша. Картины кажутся незавершенными, но даже они передают физические и духовные муки художника в это непростое время.
«Жизнь», 1903 год
«Жизнь» - центральная работа «Голубого периода», наполненная неоднозначными символами. В левой части - идеализированный образ Касагемаса, к которому прильнула обнаженная женщина. В правой - женщина с ребенком, которая смотрит на юношу с укором: возможно, это мать Касагемаса. На заднем плане - два холста: на верхнем - обнимающаяся пара, образ любви; на нижнем - скорчившаяся женщина, воплощение боли и одиночества.
Основной мотив всех произведений «Голубого периода» - одиночество и неотвратимость человеческих страданий; мучение нищих, больных, стариков и калек. Реальность сущего неподъемным грузом легла на до того беззаботного Пикассо: размышления о смысле происходящего с ним и его близкими (их бедах и горестях) воплотились в картинах этого периода - самого мрачного периода в творчестве художника.
Обретение шедевров «Голубого периода»
Произведения с таким глубоким и одновременно тяжелым смыслом было почти невозможно продавать. Однажды Пикассо свернул все работы в рулон и просто отдал его своему другу Рамону Пишо. И правильно сделал: ответственный товарищ сумел сохранить сверток, и именно благодаря ему мы сегодня можем лицезреть шедевры Пикассо того периода.
«Если бы сверток потерялся, то не было бы “Голубого периода”, так как все, что я тогда нарисовал, было там» Пабло Пикассо
Спустя некоторое время (в 1905 году) Пикассо познакомился с писателем и поэтом Гийомом Аполлинером, а спустя два дня показал ему работы «Голубого периода». Аполлинер, никогда прежде не видевший ничего подобного, стал своеобразным переводчиком изобразительного языка Пикассо на понятный нам человеческий язык. Что говорить: он и самому художнику, для которого собственные картины были чем-то интуитивным и подсознательным, смог истолковать их смысл. Статьи Аполлинера - чудесный пример того, как текст художественного полотна становится полноценным литературным произведением.
«Эти дети, которым не досталось ласки, понимают все. Эти женщины, которых никто не любит, ничего не забывают. Они будто скрываются в тенях некоего древнего храма. Они исчезают с рассветом, утешившись безмолвием. Ледяная мгла окутала их. Эти старики имеют право, не унижаясь, просить милостыни...» - написал Аполлинер. «...Говорят, будто в работах Пикассо чувствуется преждевременное разочарование. Но я считаю, что в действительности все ровным счетом наоборот. Пикассо очарован тем, что видит, а настоящий талант позволяет его воображению смешивать воедино восторг и отвращение, низменное и возвышенное. По другую сторону натурализма Пикассо, его нежной внимательности к деталям, лежит мистицизм, присущий даже самым далеким от религии испанцам... Худощавые, оборванные акробаты, окруженные сияющим ореолом, - это настоящие сыны человечества: непостоянные, коварные, ловкие, нищие, лживые».
Фото: Getty Images Russia, РИА Новости
«Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касаджемас мертв», - признавался Пикассо позже. «Период с 1901 по 1904 год в творчестве Пикассо обычно называют «голубым» периодом, так как большинство картин этого времени написано в холодной сине-зеленой гамме, усугубляющей настроение усталости и трагической нищеты» . То, что позже назвали «голубым» периодом, приумножалось изображениями печальных сцен, картинами, полными глубокой меланхолии. На первый взгляд все это несовместимо с огромной жизненной силой самого художника. Но вспоминая автопортреты молодого человека с огромными печальными глазами, мы понимаем, что полотна «голубого» периода передают эмоции, владевшие художником в то время. Личная трагедия обострила его восприятие жизни и горя страдающих и обездоленных людей.
Парадоксально, но факт: несправедливость жизненного устройства остро чувствуют не только те, кто с детства пережил гнет жизненных тягот или еще хуже - нелюбовь близких, но и вполне благополучные люди. Пикассо - яркий тому пример. Мать обожала Пабло, и эта любовь стала для него непробиваемой броней до самой смерти. Отец, постоянно испытывавший материальные затруднения, умел из последних сил помочь сыну, хотя тот порой двигался совершенно не в том направлении, которое указывал дон Хосе. Любимый и благополучный юноша не стал эгоцентриком, хотя атмосфера декадентской культуры, в которой он формировался в Барселоне, казалось бы, способствовала тому. Напротив, он с огромной силой ощущал социальное нестроение, громадную пропасть между бедными и богатыми, несправедливость устройства общества, антигуманность его - словом, все то, что привело к революциям и войнам XX в.
«Обратимся к одному из центральных произведений Пикассо того времени - к картине «Старик нищий с мальчиком», выполненной в 1903 г. и находящейся сейчас в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. На плоском нейтральном фоне изображены две сидящие фигуры - дряхлый слепой старик и маленький мальчик. Образы даны здесь в их резко контрастном противопоставлении: изборожденное морщинами, как бы вылепленное мощной игрой светотени лицо старика с глубокими впадинами слепых глаз, его костлявая, неестественно угловатая фигура, ломающиеся линии его ног и рук и, как противоположность ему, широко открытые глаза на нежном, мягко промоделированном лице мальчика, плавные, текучие линии его одежды. Мальчик, стоящий на пороге жизни, и дряхлый старик, на которого смерть уже наложила свой отпечаток, - эти крайности объединены в картине какой-то трагической общностью. Глаза мальчика широко открыты, но они кажутся такими же невидящими, как и страшные провалы глазниц старика: он погружен в такое же безрадостное раздумье. Тусклый голубой цвет еще больше усиливает то настроение скорби и безысходности, которое выражено в печально сосредоточенных лицах людей. Цвет не является здесь цветом реальных предметов, он не является также цветом реального света, заливающего пространство картины. Одинаково тусклыми, мертвенно холодными оттенками синего цвета передает Пикассо и лица людей, и их одежды, и фон, на котором они изображены» .
Изображение жизнеподобно, но в нем немало условностей. Гипертрофированы пропорции тела старика, неудобная поза подчеркивает его изломанность. Худоба неестественна. Слишком упрощенно переданы черты лица мальчика. «Художник ничего не сообщает нам о том, кто эти люди, какой стране или эпохе они принадлежат и зачем они, вот так прижавшись друг к другу, сидят на этой голубой земле. И тем не менее картина говорит о многом: в контрастном противопоставлении старика и мальчика мы видим и печальное, безрадостное прошлое одного, и безнадежное, неминуемо мрачное будущее другого, и трагическое настоящее их обоих. Само скорбное лицо нищеты и одиночества смотрит на нас своими печальными глазами с картины. В своих работах, созданных в этот период, Пикассо избегает дробности, детализации и стремится всячески подчеркнуть главную идею изображаемого. Эта идея остается общей для подавляющего большинства его ранних произведений; так же как и в «Старике нищем с мальчиком», она заключается в раскрытии неустроенности, скорбного одиночества людей в трагическом мире нищеты» .
Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.
Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.
Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.
Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.
Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.
«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.
Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.
В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение - картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.
В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.
Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.
Картины Пабло Пикассо:
Мальчик с трубкой, 1905 год
Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.
Старый гитарист, 1903 год
Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.
Авиньонские девицы, 1907 год
Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.
Бутылка рома, 1911 год
Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.
Голова, 1913 год
Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.
Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.
Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.
Девушка перед зеркалом, 1932 год
Это портрет молодой любовницы Пикассо - Марии-Терезы Вальтер. Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.
Герника, 1937 год
Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.
Плачущая женщина, 1937 год
Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».
«Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касаджемас мертв», – признавался Пикассо позже. «Период с 1901 по 1904 год в творчестве Пикассо обычно называют «голубым» периодом, так как большинство картин этого времени написано в холодной сине-зеленой гамме, усугубляющей настроение усталости и трагической нищеты» . То, что позже назвали «голубым» периодом, приумножалось изображениями печальных сцен, картинами, полными глубокой меланхолии. На первый взгляд все это несовместимо с огромной жизненной силой самого художника. Но вспоминая автопортреты молодого человека с огромными печальными глазами, мы понимаем, что полотна «голубого» периода передают эмоции, владевшие художником в то время. Личная трагедия обострила его восприятие жизни и горя страдающих и обездоленных людей.
Парадоксально, но факт: несправедливость жизненного устройства остро чувствуют не только те, кто с детства пережил гнет жизненных тягот или еще хуже – нелюбовь близких, но и вполне благополучные люди. Пикассо – яркий тому пример. Мать обожала Пабло, и эта любовь стала для него непробиваемой броней до самой смерти. Отец, постоянно испытывавший материальные затруднения, умел из последних сил помочь сыну, хотя тот порой двигался совершенно не в том направлении, которое указывал дон Хосе. Любимый и благополучный юноша не стал эгоцентриком, хотя атмосфера декадентской культуры, в которой он формировался в Барселоне, казалось бы, способствовала тому. Напротив, он с огромной силой ощущал социальное нестроение, громадную пропасть между бедными и богатыми, несправедливость устройства общества, антигуманность его – словом, все то, что привело к революциям и войнам XX в.
«Обратимся к одному из центральных произведений Пикассо того времени – к картине «Старик нищий с мальчиком», выполненной в 1903 г. и находящейся сейчас в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. На плоском нейтральном фоне изображены две сидящие фигуры – дряхлый слепой старик и маленький мальчик. Образы даны здесь в их резко контрастном противопоставлении: изборожденное морщинами, как бы вылепленное мощной игрой светотени лицо старика с глубокими впадинами слепых глаз, его костлявая, неестественно угловатая фигура, ломающиеся линии его ног и рук и, как противоположность ему, широко открытые глаза на нежном, мягко промоделированном лице мальчика, плавные, текучие линии его одежды. Мальчик, стоящий на пороге жизни, и дряхлый старик, на которого смерть уже наложила свой отпечаток, – эти крайности объединены в картине какой-то трагической общностью. Глаза мальчика широко открыты, но они кажутся такими же невидящими, как и страшные провалы глазниц старика: он погружен в такое же безрадостное раздумье. Тусклый голубой цвет еще больше усиливает то настроение скорби и безысходности, которое выражено в печально сосредоточенных лицах людей. Цвет не является здесь цветом реальных предметов, он не является также цветом реального света, заливающего пространство картины. Одинаково тусклыми, мертвенно холодными оттенками синего цвета передает Пикассо и лица людей, и их одежды, и фон, на котором они изображены» .
Изображение жизнеподобно, но в нем немало условностей. Гипертрофированы пропорции тела старика, неудобная поза подчеркивает его изломанность. Худоба неестественна. Слишком упрощенно переданы черты лица мальчика. «Художник ничего не сообщает нам о том, кто эти люди, какой стране или эпохе они принадлежат и зачем они, вот так прижавшись друг к другу, сидят на этой голубой земле. И тем не менее картина говорит о многом: в контрастном противопоставлении старика и мальчика мы видим и печальное, безрадостное прошлое одного, и безнадежное, неминуемо мрачное будущее другого, и трагическое настоящее их обоих. Само скорбное лицо нищеты и одиночества смотрит на нас своими печальными глазами с картины. В своих работах, созданных в этот период, Пикассо избегает дробности, детализации и стремится всячески подчеркнуть главную идею изображаемого. Эта идея остается общей для подавляющего большинства его ранних произведений; так же как и в «Старике нищем с мальчиком», она заключается в раскрытии неустроенности, скорбного одиночества людей в трагическом мире нищеты» .
В «голубой» период, помимо уже указанных полотен («Старик нищий с мальчиком», «Кружка пива (Портрет Сабартеса)» и «Жизнь») были созданы также «Автопортрет», «Свидание (Две сестры)», «Голова женщины», «Трагедия» и др.
